Repertuar:

BACHANTKI – spektakl dyplomowy studentów IV roku Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie.

Choreografia: Daniela Komędera
Reżyseria, adaptacja, dramaturgia: Daria Kopiec
Muzyka: Aleksandra Gronowska
Kostiumy: Patrycja Fitzet
Scenografia: Daria Kopiec, Patrycja Fitzet
Zdjęcia: Kama Rokicka
Koordynacja scen intymnych: Aleksandra Osowicz
Reżyseria światła: Daria Kopiec
Realizacja światła: Michał Wawrzyniak
Realizacja dźwięku: Tomasz Bienek
Wykonanie elementów scenograficznych i obsługa sceny: Krzysztof Kowolik, Bartosz Napieracz
Koordynacja: Marcelina Kubies, Alicja Kubies, Agnieszka Kasprzyk
Promocja: Marcelina Kubies, Alicja Kubies
Kierownik prób: Paweł Urbanowicz
Asystent z obsady: Weronika Gotowska

W spektaklu wykorzystano tragedię Eurypidesa „Bachantki” w tłumaczeniu Jerzego Łanowskiego, „Kołysankę dla okruszka” Agnieszki Osieckiej, „Miłość od pierwszego wejrzenia” Wisławy Szymborskiej, „Kwaterunki” Kazimiery Iłłakowiczówny oraz fragmenty „Nie trzeba być Komnatą” Emily Dickinson w tłumaczeniu Stanisława Barańczaka, a także wiersze Safony w tłumaczeniu Jana Pietrzyckiego. Studenci, których autorskie teksty są użyte w scenariuszu: Angelika Bosacka, Ewa Kowalczyk, Weronika Manowska, Zuzanna Meyer, Paulina Michalska, Aleksander Mitura, Agata Skucińska, Weronika Gotowska

Obsada

Obsada: Eliza Bilska, Julia Bodziony, Angelika Bosacka, Artur Gołuch, Weronika Gotowska, Nadine Gregor, Rafał Karnicki, Natalia Koper, Ewa Kowalczyk, Weronika Manowska, Zuzanna Meyer, Paulina Michalska, Aleksander Mitura, Michalina Pitry, Aleksandra Płużyczka, Agata Skucińska, Dawid Sozański, Michelle Stolarek.

„Spektakl dyplomowy inspirowany Eurypidesem to opowieść o zemście, o potrzebie bycia widzianym i energii seksualnej jako siły życiowej. Dionizos i Penteus reprezentują skrajne postawy. Dionizos swoją ekspansją seksualną zawstydza Penteusa. Jego działania oparte są na brawurze, prowokacji, natomiast Penteusa na lęku. Obaj reprezentują działania reaktywne wobec sytuacji, które ich spotykają. Są uwikłany w konflikty rodzinne i świadomie bądź nieświadomie wchodzą w rozgrywki, których podłożem jest chęć władzy. „BACHANTKI” to spektakl o roli tajemnicy w rodzinie i jej konsekwencjach, które obciążają cały ród. Ciężar tajemnicy sprawia, że członkowie rodziny nieświadomie przejmują pewną część bólu, rozpaczy, żalu, który nie może zostać otwarcie wyrażony. A to sprawia, że wewnętrzne konflikty narastają wewnątrz członków rodziny i społeczności, dochodząc do eskalacji i rozładowania, często niosącego tragiczne skutki. Energia seksualna wówczas zostaje przekierowana właśnie na rozładowanie emocjonalne napięć, a nie na wyrażanie miłości i szczęścia.”

Choreografka Daniela Komędera wraz z reżyserką Darią Kopiec, kompozytorką Aleksandrą Gronowską i zespołem aktorskim reinterpretują tekst, patrząc ze współczesnej strony na tematy zawarte w klasycznej tragedii takie jak boskość w człowieku, odwet, namiętność, walka, pożądanie, lęk czy zawiść. Przypatrują się roli ofiary jako zakamuflowanej formie zemsty.

Uwaga: Spektakl przeznaczony dla widzów 16+.

Dofinansowano ze środków Funduszu Popierania Twórczości ZAiKS.

Gaga/people z Gosią Mielech w Teatrze ROZBARK!

Ruch jak szept pod skórą.

Wspólnie z Gosią Mielech — artystką, tancerką i nauczycielką Gaga — zapraszamy Cię na wyjątkowe warsztaty, które pobudzą Twoje ciało, wyobraźnię i świadomość ruchu!

GOSIA MIELECH Artystka, tancerka, choreografka, nauczycielka Gaga, pedagożka tańca i reżyserka ruchu. Założycielka projektu artystycznego DanceLab, twórczyni solowych choreografii oraz spektakli dla teatrów tańca. Gosia prowadzi warsztaty i prezentuje swoje prace na całym świecie — od Nowej Zelandii, przez Niemcy, Szwecję, Norwegię, Brukselę, aż po Tajlandię, Indie, Izrael i Anglię. Współpracowała z wybitnymi twórcami, m.in. Ohadem Naharinem, Uri Ivgi & Johanem Grebenem oraz Yossim Bergiem. Laureatka prestiżowych nagród, w tym Medalu Młodej Sztuki w kategorii Taniec oraz nagrody „Najbardziej abstrakcyjna idea” podczas Festiwalu w Norymberdze.
Więcej o Gosi znajdziesz na: www.gosiamielech.com

Kiedy i gdzie?
11 maja 2025 (niedziela), godz. 12:00–13:00
Studio A, Teatr ROZBARK (Wejście z tyłu budynku, pod metalowymi schodami.)
Maksymalna liczba uczestników: 15 osób.
Karta zgłoszenia będzie przesłana mailem.

O warsztatach Gaga/people
Gaga/people to podróż w głąb własnego ciała i wyobraźni. W rytmie oddechu, poprzez miękkość ruchu i pulsującą energię, odkrywasz nowe jakości — bez oceniania, bez powtarzania za kimkolwiek. Prowadzony delikatnymi wskazówkami, zanurzasz się w doświadczeniu, gdzie ciało mówi własnym językiem. Gaga wzmacnia świadomość, budzi elastyczność i pozwala poczuć czystą przyjemność płynącą z ruchu — w przestrzeni wolnej od ograniczeń, pełnej akceptacji i intuicyjnej radości.
Niepotrzebne jest jakiekolwiek doświadczenie z ruchem.
Wskazówka: Ubierz się wygodnie. Weź ze sobą butelkę wody.

Zajęcia Gaga są otwarte dla osób powyżej 16. roku życia.

Koszt:
Przedsprzedaż: 70 zł (obowiązuje do 29.04.)
Druga tura: 80 zł (do 8.05.)

Szczegółowe informacje:
Justyna Kukiełka | Koordynator ds. edukacji i organizacji
tel.: +48 32 428 13 07
e-mail: j.kukielka@teatrrozbark.pl (preferowany kontakt)

Śledź wydarzenie na Facebooku!
Zasygnalizuj swój udział lub zainteresowanie, aby być na bieżąco ze wszystkimi aktualizacjami!

11 maja (niedziela), godz. 19:00 „Miss Liberty”, Małgorzata Mielech, „Home grown allure”, Marty Kosieradzkiej | wydarzenie realizowane w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec.

Bilety w cenie: 30 zł normalny, 20 zł ulgowy.

Miss Liberty przedstawia poetycki proces redefiniowania wolności. Miss Liberty przeistacza się z larwy w kokonie w motyla – ta mistyczna podróż z nieświadomości, stanu zamrożenia, prowadzi ku wolności, kreatywności, boskości. Miss Liberty jest przekaźnikiem szeptów i nadziei wolności. 

Wolność to zrozumienie, niebezpieczeństwo, piękno buntu, odpowiedzialność, źródło godności człowieka, istnienie dobra, przeciwieństwo ignorancji. 

Podczas spektaklu usłyszymy głosy wolności z przeróżnych zakątków świata, wypowiadające fragmenty “Deklaracji praw człowieka”. Mimo upływu lat, Deklaracja (stworzona w 1948), uświęcająca podstawowe prawa i fundamentalne wolności każdego człowieka, jest dziś aktualna bardziej niż kiedykolwiek. 

Każdy człowiek rodzi się wolny. Czasem wolności się dobrowolnie pozbywamy, zamykając się w klatce. Z czego zrobiona jest Twoja klatka?

Koncepcja, choreografia, wykonanie: Gosia Mielech,
Muzyka: Anna Suda / Dj An on Bast,
Koordynacja muzyczna: Ray Wilson,
Głosy: Ray Wilson, Gosia Mielech, Lee Brummer, Nicole Knöll, Luca Biondi, Jasmine Fan, Margarida Macieira, Omri Klein, Ashdin Doctor, Delphine Nofit,
Scenografia: Piotr Tetlak,
Korona: Karolina Pytlakowska Decolove, 
Kostium: Marzanna Gruszczyńska,
Reżyseria świateł: Paweł Murlik, 
Produkcja: Jaggy Polski, DanceLab, GoshGosh Dance Company,
Menadżerka: Pati Alen,
Czas trwania: 36 minut, 
Premiera: Krakowskie Centrum Choreograficzne.

Krótka recenzja spektaklu:
„Spektakl jest pełen poetyckiej siły i delikatności – ukazuje przeobrażenie od kruchości do wewnętrznej równowagi i boskości. Tancerka emanuje spokojem, jak buddyjska Tara w kwiecie lotosu.” – Justyna Stanisławska, Scena Tańca CST

„Klatka-kokon staje się zarówno ograniczeniem, jak i narzędziem transformacji, symbolizując odrodzenie i odnalezienie mocy kreacji. Przepiękna metafora procesu tworzenia i odkrywania wewnętrznej siły.” – Justyna Stanisławska, Scena Tańca CST

„Artystka tworzy harmonijną przestrzeń, gdzie ciało odzwierciedla proces samoświadomości i wolności – to taniec jako medytacja nad sensem istnienia.” – Justyna Stanisławska, Scena Tańca CST

Home grown allure
Koncepcja, taniec, choreografia, rysunki: Marta Kosieradzka,
Muzyka:  Adriano Fontana,
Kostium: Zofia Jakubiec,
Doradztwo artystyczne : Cecilie Lindeman Steen, Bojana Cvejic, Janne Camilla Lyster, Torunn Robstad
Fragment książki „Dom dzienny, dom nocny” Olgi Tokarczuk czytają:
Lou Ditaranto i Maria Salwińska
Czas trwania: 30 minut.

Sen mojej Babci: goni ją wielki byk, biegnie do głębokiego lasu, zwierzę podąża za nią i z każdą sekundą jest coraz bliżej. Nie wie już dokąd uciekać, jest zdyszana i przerażona. W końcu przytula brzozę, która pojawia się na jej drodze. Drzewo wpuszcza ją do środka, Babcia staje się brzozą, na zawsze uwolniona od ludzkiego ciała. Jej kości i mięśnie powoli zamieniają się w drewno.

Odczuwam dziwny pociąg do pokoi w kolorze ludzkiej skóry, gdzie we śnie poruszam się między jej warstwami, przechodzę przez chropowatą powierzchnię kości i płynę rzekami pompującej krwi lądując miękko na dywanie ze wspomnień, opowieści i snów.

Dziennik z dalekiej podróży, który znalazłam w szufladzie pełnej fragmentów koronki- delikatnej tkaniny z mnóstwem dziurek powstałych w wyniku splątania cienkich nici obrazów.

„Home grown allure”, to spektakl taneczny oraz wystawa rysunków somatycznych, będących częścią procesu powstawania pracy.

Jest inspirowany prozą Olgi Tokarczuk, jej ideą „czułego narratora”, sposobem w jaki autorka opisuje wielowymiarowość świata w swoich książkach oraz poetycką wizją ciała jako domu, który jest niezwykle skomplikowaną przestrzenią mieszczącą wspomnienia, myśli, obrazy z pamięci. Choreografia stworzona w ramach projektu magisterskiego w ramach programu MA in Dance w Oslo National Academy of Arts. Spektakl zdobył drugą nagrodę na Warszawskim Konkursie Choreograficznym w 2023 roku, pokazywany był m.in. na Międzynarodowym Festiwalu Tańca Zawirowania w 2024 oraz w ranach Otwartej Sceny Instytutu Teatralnego.

Marta Kosieradzka tancerka, choreografka i artystka wizualna pochodząca z Warszawy. Absolwentka Europejskiej Akademii Sztuk w Warszawie i Artesis Royal Conservatory w Antwerpii (BA in Dance) oraz Oslo National Academy of Arts (MA in Dance). Od wielu lat pracuje jako tancerka, choreografka i nauczycielka tańca współczesnego. Swoją profesjonalną karierę taneczną rozpoczęła od występów w produkcji Jana Martensa „I can ride a horse whilst juggling, so marry me”, a później przez wiele lat pracowała z wieloma choreografami i artystami różnych dziedzin sztuki w Belgii. Po powrocie do Polski przez kilka lat związana była z Teatrem Tańca Zawirowania, występując w spektaklach repertuarowych i prowadząc zajęcia oraz projekty w Akademii Tańca Zawirowania. Współpracowała także z licznymi polskimi choreografami i artystami.

Autorka wielu spektakli i filmów tańca, które zdobywały nagrody i były pokazywane na międzynarodowych scenach tanecznych. Stypendystka m.in. Art Council of Norway, Arts Nations Foundation by Grażyna Kulczyk, ZAIKS, laureatka nagród m.in. w Warszawskim Konkursie Choreograficznym czy „Best OFF” – konkursie na najlepszy spektakl teatru alternatywnego w Polsce. Obecnie mieszka i pracuje pomiędzy Warszawą a Oslo, biorąc udział w projektach teatralnych i tanecznych oraz rozwijając swoje prace choreograficzne. Ostatnio współpracowała z islandzkim kolektywem Vinslann przy produkcji teatralno-tanecznej „Djupet”, a także brała udział w europejskim programie „Dance Hack” w Finlandii oraz pracowała jako gościnna pedagożka w Oslo National Academy of Arts.

16 maja (piątek), godz. 19:00 Festiwal Solo Duo.

Pokazy na żywo odbędą się w dniach 16-17 maja 2025 na Scenie Cechownia w Teatrze Rozbark.

Pracujcie nad krótkimi formami: solo do 6 min. i duet do 9  min.

Zgłoszenia będziemy przyjmować do 5 maja 2025.

17 maja (sobota), godz. 18:00 Festiwal Solo Duo.

Pokazy na żywo odbędą się w dniach 16-17 maja 2025 na Scenie Cechownia w Teatrze Rozbark.

Pracujcie nad krótkimi formami: solo do 6 min. i duet do 9  min.

Zgłoszenia będziemy przyjmować do 5 maja 2025. 

n a z n a c z e n i. The somatic practices of lunacy, choreografia: Anna Piotrowska 

Bilety w cenie: 40 zł normalny, 30 zł ulgowy.

W najnowszej produkcji Teatru Rozbark, wyreżyserowanej przez Annę Piotrowską, artyści zanurzają się w świat Williama Szekspira. Czerpiąc motywy z wybranych dzieł dramatopisarza, Zespół Artystyczny eksplorował jego postaci – m.in. Lady Makbet, Koriolana, Ofelię, Ryszarda III, także figury błazna i doktora – badając ich energetyczną charakterystykę oraz symboliczny potencjał, również w kontekście współczesnej kultury. Forma spektaklu stanowi swoisty montaż – złożony z tekstów wędrujących pomiędzy postaciami – wzmacniając ich pierwotny ładunek energetyczny. Tak skonstruowana narracja kreuje oniryczny świat, w którym energie przeskakują z jednego ciała na drugie. Tworzenie sampli dla postaci i eksplorowanie ich z perspektywy somatycznego procesu lunatykowania, ujawniają charakterystyczne dla twórczości Szekspira motywy obłędu i szaleństwa. Szekspir interesował się i opisywał świat z perspektywy swoich czasów. Ukazywał mechanizmy ludzkich emocji, takich jak: chciwość, podejrzliwość, chęć dążenia do dominacji i panowania nad innymi. Te psycho-fizyczne przeskoki między jedną historią a drugą stanowią metaforę wpływu, jaki wywieramy na siebie nieustannie.

Struktura dramaturgiczna spektaklu splata się z wątkami psychoterapeutycznymi – zgłębiania własnej historii i relacji (często trudnych i ambiwalentnych) względem figur matek i ojców. Badanie historii i psychologii postaci otworzyło przed artystami nieograniczone możliwości ekspresji, które nie zawężają się do jednej konwencji. Anna Piotrowska, twórczyni spektaklu, tak wypowiada się o procesie konstruowania dzieła: „Wymowne słowa Lewisa, które padają w kronice historycznej W. Szekspira Król Jan – „Ważne motywy powodują silne działania” („Strong reasons make strong actions”) – stanowią dla mnie inspirację do budowania dramaturgii w teatrze, również w tym spektaklu. Szekspir, posługując się słowem, pobudza zarówno intelekt, jak i emocje. Jednak teatr to także obraz i materia – fizyczna, cielesna, pogłębiona obecność performerów może wzbogacić przekaz, nadając mu nowy wymiar. Obraz oddziałuje na widza w sposób intuicyjny i pierwotny, docierając do pozazmysłowej percepcji. Dzięki temu staje się nie tylko uzupełnieniem tekstu, lecz także podróżą do innej rzeczywistości, dopełniającą myśl Szekspira.”

koncepcja, reżyseria, dramaturgia, choreografia, sound&space:
ANNA PIOTROWSKA,

k r e a c j a:
KAMIL BOŃCZYK, ALEKSANDRA KĘPIŃSKA, SABINA LETNER,
JULIA LEWANDOWSKA, EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, DANIEL ZYCH,
reżyseria światła, wsparcie produkcyjne: PAWEŁ MURLIK,
kostiumy: EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, BRONISŁAWA CICHY_atelier,
nowe media, współpraca artystyczna: tajny_projekt,
realizacja: DASTIN GRECZYŁO,JAKUB RITTER, KRZYSZTOF SOSZKA, KUBA ZAPARTOWICZ,
współpraca: MICHAŁ MACKIEWICZ,
koordynacja tanga: KRZYSZTOF KARDAŚ,
opracowanie muzyczne piosenki: JULIA LEWANDOWSKA, PAWEŁ MURLIK,
współpraca literacka: ANNA DUDA,
grafika: anatan.

Podziękowania dla Anastasiia Khvorost.

n a z n a c z e n i. The somatic practices of lunacy, choreografia: Anna Piotrowska 

Bilety w cenie: 40 zł normalny, 30 zł ulgowy.

W najnowszej produkcji Teatru Rozbark, wyreżyserowanej przez Annę Piotrowską, artyści zanurzają się w świat Williama Szekspira. Czerpiąc motywy z wybranych dzieł dramatopisarza, Zespół Artystyczny eksplorował jego postaci – m.in. Lady Makbet, Koriolana, Ofelię, Ryszarda III, także figury błazna i doktora – badając ich energetyczną charakterystykę oraz symboliczny potencjał, również w kontekście współczesnej kultury. Forma spektaklu stanowi swoisty montaż – złożony z tekstów wędrujących pomiędzy postaciami – wzmacniając ich pierwotny ładunek energetyczny. Tak skonstruowana narracja kreuje oniryczny świat, w którym energie przeskakują z jednego ciała na drugie. Tworzenie sampli dla postaci i eksplorowanie ich z perspektywy somatycznego procesu lunatykowania, ujawniają charakterystyczne dla twórczości Szekspira motywy obłędu i szaleństwa. Szekspir interesował się i opisywał świat z perspektywy swoich czasów. Ukazywał mechanizmy ludzkich emocji, takich jak: chciwość, podejrzliwość, chęć dążenia do dominacji i panowania nad innymi. Te psycho-fizyczne przeskoki między jedną historią a drugą stanowią metaforę wpływu, jaki wywieramy na siebie nieustannie.

Struktura dramaturgiczna spektaklu splata się z wątkami psychoterapeutycznymi – zgłębiania własnej historii i relacji (często trudnych i ambiwalentnych) względem figur matek i ojców. Badanie historii i psychologii postaci otworzyło przed artystami nieograniczone możliwości ekspresji, które nie zawężają się do jednej konwencji. Anna Piotrowska, twórczyni spektaklu, tak wypowiada się o procesie konstruowania dzieła: „Wymowne słowa Lewisa, które padają w kronice historycznej W. Szekspira Król Jan – „Ważne motywy powodują silne działania” („Strong reasons make strong actions”) – stanowią dla mnie inspirację do budowania dramaturgii w teatrze, również w tym spektaklu. Szekspir, posługując się słowem, pobudza zarówno intelekt, jak i emocje. Jednak teatr to także obraz i materia – fizyczna, cielesna, pogłębiona obecność performerów może wzbogacić przekaz, nadając mu nowy wymiar. Obraz oddziałuje na widza w sposób intuicyjny i pierwotny, docierając do pozazmysłowej percepcji. Dzięki temu staje się nie tylko uzupełnieniem tekstu, lecz także podróżą do innej rzeczywistości, dopełniającą myśl Szekspira.”

koncepcja, reżyseria, dramaturgia, choreografia, sound&space:
ANNA PIOTROWSKA,

k r e a c j a:
KAMIL BOŃCZYK, ALEKSANDRA KĘPIŃSKA, SABINA LETNER,
JULIA LEWANDOWSKA, EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, DANIEL ZYCH,
reżyseria światła, wsparcie produkcyjne: PAWEŁ MURLIK,
kostiumy: EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, BRONISŁAWA CICHY_atelier,
nowe media, współpraca artystyczna: tajny_projekt,
realizacja: DASTIN GRECZYŁO,JAKUB RITTER, KRZYSZTOF SOSZKA, KUBA ZAPARTOWICZ,
współpraca: MICHAŁ MACKIEWICZ,
koordynacja tanga: KRZYSZTOF KARDAŚ,
opracowanie muzyczne piosenki: JULIA LEWANDOWSKA, PAWEŁ MURLIK,
współpraca literacka: ANNA DUDA,
grafika: anatan.

Podziękowania dla Anastasiia Khvorost.

AMOROSO | reż. Janusz Orlik | TEATR KLUCZ im. W. Deneki | wydarzenie realizowane w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec.

Cena: 30 zł normalny, 20 zł ulgowy.

„Staraj się zatem serce własne odrywać od umiłowania tego, co widzialne, a samego siebie ku temu, co niewidzialne, kieruj” (Tomasz à Kempis)

Po Tranquillo i Intermezzo, dwóch nagrodzonych i docenionych przez krytyków produkcjach, Teatr Klucz przedstawia Amoroso, szczery i intymny spektakl, w którym artyści i artystki opowiadają historię miłości w jej różnych formach. Robią to bezustannie, z oddaniem i bez wyrzutów sumienia. Do końca. Bez końca. Amoroso jest dla kochających i kochanych, dla szczęśliwych i spełnionych. Dla zagubionych i porzuconych. Ta prowokująca do myślenia produkcja zadaje pytanie: Co tak naprawdę miłość oznacza dla Ciebie? Czy kochasz szczerze? Czy w ogóle chcesz kochać? Co jesteś w stanie poświęcić dla miłości? Na scenie zobaczymy całe spektrum ludzkich stanów emocjonalnych i zachowań odzwierciedlających różne oblicza miłości.

Poetycki, oniryczny, niespieszny spektakl łączący różne środki ekspresji scenicznej, ze szczególnym uwzględnieniem tańca, ruchu scenicznego i improwizacji. Niewielkie partie tekstu mówionego tłumaczone będą na polski język migowy. Całości towarzyszyć będzie audiodeskrypcja. Choreografia Amoroso powstała w wyniku wspólnej pracy zespołu Teatru Klucz i jego opiekuna artystycznego, Janusza Orlika (www.januszorlik.com).

Teatr Klucz to jeden z niewielu w Polsce zespołów teatralnych złożony z artystów(-ek) z niepełnosprawnościami, którzy mimo braku formalnego wykształcenia kierunkowego osiągnęli wysoki poziom profesjonalizacji. Wcześniejszy spektakl grupy, „Tranquillo”, otrzymał główną nagrodę w Ogólnopolskim Konkursie na Najlepszy Spektakl Teatru Niezależnego „The Best OFF”!

Artyści(-stki) Teatru Klucz są uczestnikami Warsztatu Terapii Zajęciowej „Przylesie” prowadzonego przez Stowarzyszenie Na Tak. Ich przygoda z teatrem zaczęła się w 2006 roku, od warsztatów teatralnych prowadzonych przez terapeutkę Hannę Rynowiecką i aktora Wojciecha Denekę. Od ośmiu lat grupa pracuje w Centrum Kultury ZAMEK. W 2021 roku opiekę artystyczną nad nią objął Janusz Orlik, tancerz, choreograf i pedagog tańca, do zespołu dołączył także zawodowy performer.

reżyseria, scenografia, opracowanie muzyczne: Janusz Orlik,
choreografia: Janusz Orlik z zespołem Teatru Klucz,
asystent reżysera: Antek Kurjata,
obsada: Mariusz Józefiak, Jarosław Kubiak, Antek Kurjata, Daniel Laskowski, Lidia Piskorska, Piotr Roszak, Karol Solski, Magdalena Szalbierz, Arkadiusz Żmijewski,
kostiumy: Agnieszka Ostrowska,
reżyseria świateł: Arkadiusz Kuczyński, Janusz Orlik,
interpretacja w PJM: Karina Akseńczuk,
audiodeskrypcja: Marcin Głowiński,
produkcja: Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu,
czas trwania: ok. 60 minut.

1 czerwca (niedziela), godz. 19:00 „Terytorium”, koncept i choreografia: Karolina Kroczak | Teatr Tańca Zawirowania.

Bilety w cenie: 30 zł normalny, 20 zł ulgowy.

„Terytorium” to spektakl o potrzebie definiowania swojej tożsamości w perspektywie czasu i przestrzeni. Bohaterki poszukują gwarancji kontroli nad sobą, innymi i wspólnym terytorium. Próbują opowiedzieć swoje historie własnym głosem – rywalizując o dominację perspektywy. Spektakl opowiada o różnorodnych strategiach ekspansji, które każde pokolenie podejmuje na swój sposób, a także o kulturze, która każe myśleć, że czasu i miejsca jest coraz mniej. „Terytorium” to przestrzeń napięcia pomiędzy zanikaniem, zacieśnianiem i zmniejszaniem a tym, co nieustannie się poszerza i zagarnia.

Na scenie zobaczymy dwie kobiety, które nie tylko rywalizują o uwagę widza, ale także zmagają się z własnym obrazem doskonałości, który przemija, lub któremu nie mogą sprostać. To historia o tych z nas, które nieustannie poddają się presji pytań o to, co i kiedy powinny zrobić, aby poczuć się „odpowiednie”. W odpowiedzi na pytanie “Kiedy...?” odnajdujemy siebie w morderczych ćwiczeniach, nieustannych nadgodzinach w pracy, kompulsywnych zakupach, seksie, restrykcyjnych dietach lub w ciastkach, którymi się objadamy, kiedy nikt nie patrzy. To także opowieść o szaleństwie, o które się ocieramy będąc pomiędzy kontrolą i dyscypliną a nieograniczoną wolnością i zachłannością. „Terytorium” podejmuje zagadnienie kruchości istoty ludzkiej wobec czasu i przemijania. Ponad wszystko jest to historia o pragnieniu poczucia sensu swojego istnienia.

Koncept i choreografia: Karolina Kroczak,
Wykonanie: Elwira Piorun, Magdalena Agata Wójcik,
Muzyka: collage,
Produkcja: Centrum Teatru i Tańca Zawirowania, Fundacja Scena Współczesna,
Czas trwania: 55 minut.

8 czerwca (niedziela), godz. 19:00 Rajzefiber, choreografia: Natalia Dinges, Produkcja Stowarzyszenie Nie Po Drodze

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 15 zł bilet ulgowy.

Chciałyśmy opowiedzieć o komunikacji miejskiej. No że wiesz — z A do B.
Nie da się. Czasem nie. Po prostu nie. W ogóle nie.
I nagle bam — rozlała się nam ta komunikacja na ludzi. Między ludzi.
Między nami. I znowu zgrzyt.  Z A zrobiło się Z. Totalne Z.
Dorzuciłyśmy pęd. Jeszcze. Jeszcze. Jeszcze więcej pędu. Jeszcze więcej prób: halo? Słychać mnie? Rozumiesz mnie?

No a skoro dancing is a human right — to wyszło nam Rajzefiber.

Koncept i choreografia:  Natalia Dinges,
Dramaturgia: Justyna Tomska,
Reżyseria świateł: Michał Wawrzyniak,
Muzyka / Zdjęcia / Identyfikacja graficzna / Nagranie / Teasery: Miki Węcel,
Kostiumy: Małgorzata Kuźnik,
Taniec i kreacja ruchu: Joanna Dębska, Aleksandra Heral, Magdalena Kawecka, Marika Kornacka, Michał Konopka, Sandra Marmon, Adrianna Mrowiec, Aniela Turkot,
Produkcja: Stowarzyszenie Nie Po Drodze,
Koordynacja: Alicja Siwik,
Mecenat: Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Narodowy Instytut Muzyki i Tańca,
Partnerzy: Teatr Tańca i Ruchu Rozbark, Lokal w Bytomiu, Akademia Sztuk Teatralnych im.St. Wyspiańskiego w Krakowie, Wydział Teatru Tańcach w Bytomiu,
Patronat medialny: Ślązag,
Czas trwania: 50 min.
Data i miejsce premiery: 8.06.2025r., Teatr Tańca i Ruchu Rozbark.

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury w ramach programu “Taniec”, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca.