Repertuar:

16 maja (piątek), godz. 19:00 Festiwal Solo Duo.

Pokazy na żywo odbędą się w dniach 16-17 maja 2025 na Scenie Cechownia w Teatrze Rozbark.

Pracujcie nad krótkimi formami: solo do 6 min. i duet do 9  min.

Zgłoszenia będziemy przyjmować do 5 maja 2025.

17 maja (sobota), godz. 18:00 Festiwal Solo Duo.

Pokazy na żywo odbędą się w dniach 16-17 maja 2025 na Scenie Cechownia w Teatrze Rozbark.

Pracujcie nad krótkimi formami: solo do 6 min. i duet do 9  min.

Zgłoszenia będziemy przyjmować do 5 maja 2025. 

n a z n a c z e n i. The somatic practices of lunacy, choreografia: Anna Piotrowska 

Bilety w cenie: 40 zł normalny, 30 zł ulgowy.

*spektakl dla widzów 16+, przewidziane są sceny nagości.
Czas trwania: ok. 100 minut bez przerwy

W najnowszej produkcji Teatru Rozbark, wyreżyserowanej przez Annę Piotrowską, artyści zanurzają się w świat Williama Szekspira. Czerpiąc motywy z wybranych dzieł dramatopisarza, Zespół Artystyczny eksplorował jego postaci – m.in. Lady Makbet, Koriolana, Ofelię, Ryszarda III, także figury błazna i doktora – badając ich energetyczną charakterystykę oraz symboliczny potencjał, również w kontekście współczesnej kultury. Forma spektaklu stanowi swoisty montaż – złożony z tekstów wędrujących pomiędzy postaciami – wzmacniając ich pierwotny ładunek energetyczny. Tak skonstruowana narracja kreuje oniryczny świat, w którym energie przeskakują z jednego ciała na drugie. Tworzenie sampli dla postaci i eksplorowanie ich z perspektywy somatycznego procesu lunatykowania, ujawniają charakterystyczne dla twórczości Szekspira motywy obłędu i szaleństwa. Szekspir interesował się i opisywał świat z perspektywy swoich czasów. Ukazywał mechanizmy ludzkich emocji, takich jak: chciwość, podejrzliwość, chęć dążenia do dominacji i panowania nad innymi. Te psycho-fizyczne przeskoki między jedną historią a drugą stanowią metaforę wpływu, jaki wywieramy na siebie nieustannie.

Struktura dramaturgiczna spektaklu splata się z wątkami psychoterapeutycznymi – zgłębiania własnej historii i relacji (często trudnych i ambiwalentnych) względem figur matek i ojców. Badanie historii i psychologii postaci otworzyło przed artystami nieograniczone możliwości ekspresji, które nie zawężają się do jednej konwencji. Anna Piotrowska, twórczyni spektaklu, tak wypowiada się o procesie konstruowania dzieła: „Wymowne słowa Lewisa, które padają w kronice historycznej W. Szekspira Król Jan – „Ważne motywy powodują silne działania” („Strong reasons make strong actions”) – stanowią dla mnie inspirację do budowania dramaturgii w teatrze, również w tym spektaklu. Szekspir, posługując się słowem, pobudza zarówno intelekt, jak i emocje. Jednak teatr to także obraz i materia – fizyczna, cielesna, pogłębiona obecność performerów może wzbogacić przekaz, nadając mu nowy wymiar. Obraz oddziałuje na widza w sposób intuicyjny i pierwotny, docierając do pozazmysłowej percepcji. Dzięki temu staje się nie tylko uzupełnieniem tekstu, lecz także podróżą do innej rzeczywistości, dopełniającą myśl Szekspira.”

koncepcja, reżyseria, dramaturgia, choreografia, sound&space:
ANNA PIOTROWSKA,

k r e a c j a:
KAMIL BOŃCZYK, ALEKSANDRA KĘPIŃSKA, SABINA LETNER,
JULIA LEWANDOWSKA, EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, DANIEL ZYCH,
reżyseria światła, wsparcie produkcyjne: PAWEŁ MURLIK,
kostiumy: EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, BRONISŁAWA CICHY_atelier,
nowe media, współpraca artystyczna: tajny_projekt,
realizacja: DASTIN GRECZYŁO,JAKUB RITTER, KRZYSZTOF SOSZKA, KUBA ZAPARTOWICZ,
współpraca: MICHAŁ MACKIEWICZ,
koordynacja tanga: KRZYSZTOF KARDAŚ,
opracowanie muzyczne piosenki: JULIA LEWANDOWSKA, PAWEŁ MURLIK,
współpraca literacka: ANNA DUDA,
grafika: anatan.

Podziękowania dla Anastasiia Khvorost.

n a z n a c z e n i. The somatic practices of lunacy, choreografia: Anna Piotrowska 

Bilety w cenie: 40 zł normalny, 30 zł ulgowy.

*spektakl dla widzów 16+, przewidziane są sceny nagości.
Czas trwania: ok. 100 minut bez przerwy

W najnowszej produkcji Teatru Rozbark, wyreżyserowanej przez Annę Piotrowską, artyści zanurzają się w świat Williama Szekspira. Czerpiąc motywy z wybranych dzieł dramatopisarza, Zespół Artystyczny eksplorował jego postaci – m.in. Lady Makbet, Koriolana, Ofelię, Ryszarda III, także figury błazna i doktora – badając ich energetyczną charakterystykę oraz symboliczny potencjał, również w kontekście współczesnej kultury. Forma spektaklu stanowi swoisty montaż – złożony z tekstów wędrujących pomiędzy postaciami – wzmacniając ich pierwotny ładunek energetyczny. Tak skonstruowana narracja kreuje oniryczny świat, w którym energie przeskakują z jednego ciała na drugie. Tworzenie sampli dla postaci i eksplorowanie ich z perspektywy somatycznego procesu lunatykowania, ujawniają charakterystyczne dla twórczości Szekspira motywy obłędu i szaleństwa. Szekspir interesował się i opisywał świat z perspektywy swoich czasów. Ukazywał mechanizmy ludzkich emocji, takich jak: chciwość, podejrzliwość, chęć dążenia do dominacji i panowania nad innymi. Te psycho-fizyczne przeskoki między jedną historią a drugą stanowią metaforę wpływu, jaki wywieramy na siebie nieustannie.

Struktura dramaturgiczna spektaklu splata się z wątkami psychoterapeutycznymi – zgłębiania własnej historii i relacji (często trudnych i ambiwalentnych) względem figur matek i ojców. Badanie historii i psychologii postaci otworzyło przed artystami nieograniczone możliwości ekspresji, które nie zawężają się do jednej konwencji. Anna Piotrowska, twórczyni spektaklu, tak wypowiada się o procesie konstruowania dzieła: „Wymowne słowa Lewisa, które padają w kronice historycznej W. Szekspira Król Jan – „Ważne motywy powodują silne działania” („Strong reasons make strong actions”) – stanowią dla mnie inspirację do budowania dramaturgii w teatrze, również w tym spektaklu. Szekspir, posługując się słowem, pobudza zarówno intelekt, jak i emocje. Jednak teatr to także obraz i materia – fizyczna, cielesna, pogłębiona obecność performerów może wzbogacić przekaz, nadając mu nowy wymiar. Obraz oddziałuje na widza w sposób intuicyjny i pierwotny, docierając do pozazmysłowej percepcji. Dzięki temu staje się nie tylko uzupełnieniem tekstu, lecz także podróżą do innej rzeczywistości, dopełniającą myśl Szekspira.”

koncepcja, reżyseria, dramaturgia, choreografia, sound&space:
ANNA PIOTROWSKA,

k r e a c j a:
KAMIL BOŃCZYK, ALEKSANDRA KĘPIŃSKA, SABINA LETNER,
JULIA LEWANDOWSKA, EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, DANIEL ZYCH,
reżyseria światła, wsparcie produkcyjne: PAWEŁ MURLIK,
kostiumy: EWA NORAS, ANNA PIOTROWSKA, BRONISŁAWA CICHY_atelier,
nowe media, współpraca artystyczna: tajny_projekt,
realizacja: DASTIN GRECZYŁO,JAKUB RITTER, KRZYSZTOF SOSZKA, KUBA ZAPARTOWICZ,
współpraca: MICHAŁ MACKIEWICZ,
koordynacja tanga: KRZYSZTOF KARDAŚ,
opracowanie muzyczne piosenki: JULIA LEWANDOWSKA, PAWEŁ MURLIK,
współpraca literacka: ANNA DUDA,
grafika: anatan.

Podziękowania dla Anastasiia Khvorost.

AMOROSO | reż. Janusz Orlik | TEATR KLUCZ im. W. Deneki | wydarzenie realizowane w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec.

Cena: 30 zł normalny, 20 zł ulgowy.

„Staraj się zatem serce własne odrywać od umiłowania tego, co widzialne, a samego siebie ku temu, co niewidzialne, kieruj” (Tomasz à Kempis)

Po Tranquillo i Intermezzo, dwóch nagrodzonych i docenionych przez krytyków produkcjach, Teatr Klucz przedstawia Amoroso, szczery i intymny spektakl, w którym artyści i artystki opowiadają historię miłości w jej różnych formach. Robią to bezustannie, z oddaniem i bez wyrzutów sumienia. Do końca. Bez końca. Amoroso jest dla kochających i kochanych, dla szczęśliwych i spełnionych. Dla zagubionych i porzuconych. Ta prowokująca do myślenia produkcja zadaje pytanie: Co tak naprawdę miłość oznacza dla Ciebie? Czy kochasz szczerze? Czy w ogóle chcesz kochać? Co jesteś w stanie poświęcić dla miłości? Na scenie zobaczymy całe spektrum ludzkich stanów emocjonalnych i zachowań odzwierciedlających różne oblicza miłości.

Poetycki, oniryczny, niespieszny spektakl łączący różne środki ekspresji scenicznej, ze szczególnym uwzględnieniem tańca, ruchu scenicznego i improwizacji. Niewielkie partie tekstu mówionego tłumaczone będą na polski język migowy. Całości towarzyszyć będzie audiodeskrypcja. Choreografia Amoroso powstała w wyniku wspólnej pracy zespołu Teatru Klucz i jego opiekuna artystycznego, Janusza Orlika (www.januszorlik.com).

Teatr Klucz to jeden z niewielu w Polsce zespołów teatralnych złożony z artystów(-ek) z niepełnosprawnościami, którzy mimo braku formalnego wykształcenia kierunkowego osiągnęli wysoki poziom profesjonalizacji. Wcześniejszy spektakl grupy, „Tranquillo”, otrzymał główną nagrodę w Ogólnopolskim Konkursie na Najlepszy Spektakl Teatru Niezależnego „The Best OFF”!

Artyści(-stki) Teatru Klucz są uczestnikami Warsztatu Terapii Zajęciowej „Przylesie” prowadzonego przez Stowarzyszenie Na Tak. Ich przygoda z teatrem zaczęła się w 2006 roku, od warsztatów teatralnych prowadzonych przez terapeutkę Hannę Rynowiecką i aktora Wojciecha Denekę. Od ośmiu lat grupa pracuje w Centrum Kultury ZAMEK. W 2021 roku opiekę artystyczną nad nią objął Janusz Orlik, tancerz, choreograf i pedagog tańca, do zespołu dołączył także zawodowy performer.

reżyseria, scenografia, opracowanie muzyczne: Janusz Orlik,
choreografia: Janusz Orlik z zespołem Teatru Klucz,
asystent reżysera: Antek Kurjata,
obsada: Mariusz Józefiak, Jarosław Kubiak, Antek Kurjata, Daniel Laskowski, Lidia Piskorska, Piotr Roszak, Karol Solski, Magdalena Szalbierz, Arkadiusz Żmijewski,
kostiumy: Agnieszka Ostrowska,
reżyseria świateł: Arkadiusz Kuczyński, Janusz Orlik,
interpretacja w PJM: Karina Akseńczuk,
audiodeskrypcja: Marcin Głowiński,
produkcja: Centrum Kultury ZAMEK w Poznaniu,
czas trwania: ok. 60 minut.

1 czerwca (niedziela), godz. 19:00 „Terytorium”, koncept i choreografia: Karolina Kroczak | Teatr Tańca Zawirowania.

Bilety w cenie: 30 zł normalny, 20 zł ulgowy.

„Terytorium” to spektakl o potrzebie definiowania swojej tożsamości w perspektywie czasu i przestrzeni. Bohaterki poszukują gwarancji kontroli nad sobą, innymi i wspólnym terytorium. Próbują opowiedzieć swoje historie własnym głosem – rywalizując o dominację perspektywy. Spektakl opowiada o różnorodnych strategiach ekspansji, które każde pokolenie podejmuje na swój sposób, a także o kulturze, która każe myśleć, że czasu i miejsca jest coraz mniej. „Terytorium” to przestrzeń napięcia pomiędzy zanikaniem, zacieśnianiem i zmniejszaniem a tym, co nieustannie się poszerza i zagarnia.

Na scenie zobaczymy dwie kobiety, które nie tylko rywalizują o uwagę widza, ale także zmagają się z własnym obrazem doskonałości, który przemija, lub któremu nie mogą sprostać. To historia o tych z nas, które nieustannie poddają się presji pytań o to, co i kiedy powinny zrobić, aby poczuć się „odpowiednie”. W odpowiedzi na pytanie “Kiedy...?” odnajdujemy siebie w morderczych ćwiczeniach, nieustannych nadgodzinach w pracy, kompulsywnych zakupach, seksie, restrykcyjnych dietach lub w ciastkach, którymi się objadamy, kiedy nikt nie patrzy. To także opowieść o szaleństwie, o które się ocieramy będąc pomiędzy kontrolą i dyscypliną a nieograniczoną wolnością i zachłannością. „Terytorium” podejmuje zagadnienie kruchości istoty ludzkiej wobec czasu i przemijania. Ponad wszystko jest to historia o pragnieniu poczucia sensu swojego istnienia.

Koncept i choreografia: Karolina Kroczak,
Wykonanie: Elwira Piorun, Magdalena Agata Wójcik,
Muzyka: collage,
Produkcja: Centrum Teatru i Tańca Zawirowania, Fundacja Scena Współczesna,
Czas trwania: 55 minut.

8 czerwca (niedziela), godz. 19:00 Rajzefiber, choreografia: Natalia Dinges, Produkcja Stowarzyszenie Nie Po Drodze

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 15 zł bilet ulgowy.

Chciałyśmy opowiedzieć o komunikacji miejskiej. No że wiesz — z A do B.
Nie da się. Czasem nie. Po prostu nie. W ogóle nie.
I nagle bam — rozlała się nam ta komunikacja na ludzi. Między ludzi.
Między nami. I znowu zgrzyt.  Z A zrobiło się Z. Totalne Z.
Dorzuciłyśmy pęd. Jeszcze. Jeszcze. Jeszcze więcej pędu. Jeszcze więcej prób: halo? Słychać mnie? Rozumiesz mnie?

No a skoro dancing is a human right — to wyszło nam Rajzefiber.

Koncept i choreografia:  Natalia Dinges,
Dramaturgia: Justyna Tomska,
Reżyseria świateł: Michał Wawrzyniak,
Muzyka / Zdjęcia / Identyfikacja graficzna / Nagranie / Teasery: Miki Węcel,
Kostiumy: Małgorzata Kuźnik,
Taniec i kreacja ruchu: Joanna Dębska, Aleksandra Heral, Magdalena Kawecka, Marika Kornacka, Michał Konopka, Sandra Marmon, Adrianna Mrowiec, Aniela Turkot,
Produkcja: Stowarzyszenie Nie Po Drodze,
Koordynacja: Alicja Siwik,
Mecenat: Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Narodowy Instytut Muzyki i Tańca,
Partnerzy: Teatr Tańca i Ruchu Rozbark, Lokal w Bytomiu, Akademia Sztuk Teatralnych im.St. Wyspiańskiego w Krakowie, Wydział Teatru Tańcach w Bytomiu,
Patronat medialny: Ślązag,
Czas trwania: 50 min.
Data i miejsce premiery: 8.06.2025r., Teatr Tańca i Ruchu Rozbark.

Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury w ramach programu “Taniec”, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca.