repertuar

16 października (piątek), godz. 19:00 „Tribute to Juan D’Arienzo” spektakl muzyczno- taneczny przygotowany pod kierunkiem urugwajskich choreografów Stefanii Coliny i Juana Martína Carrary.

Bilety w cenie: 35 zł/osoba miejsce przy stoliku (liczba miejsc ograniczona), 30 zł/osoba miejsce na trybunach.

Po wyprzedanej lipcowej premierze do Teatru Rozbark w Bytomiu wraca „Tribute to Juan d’Arienzo”. Druga edycja spektaklu odbędzie się 16 października 2026 roku.

Spektakl jest hołdem dla Juana d’Arienzo, jednego z najważniejszych twórców i popularyzatorów tanga argentyńskiego, którego charakterystyczny, dynamiczny styl muzyczny do dziś inspiruje tancerzy na całym świecie.

Choreografię spektaklu stworzyli Stefania Colina i Juan Martín Carrara – niezwykła para urugwajskich tancerzy i choreografów. Od zwycięstwa w Intercontinental Tango Championship w 2009 roku występują i uczą na całym świecie, łącząc międzynarodową karierę z działalnością na rzecz rozwoju urugwajskiej sceny tanga.

Od 2023 roku są dyrektorami generalnymi i choreografami urugwajskiego Narodowego Baletu Tanga – Ballet Nacional de Tango (Uruguay). Powstała z ich inicjatywy formacja skupia profesjonalnych artystów tanga z różnych części kraju i ma tworzyć nowe możliwości dla tancerzy oraz zwiększać obecność tanga na najważniejszych scenach Urugwaju.

Stefania Colina i Juan Martín Carrara współpracują również z Teatro Solís w Montevideo, najważniejszą sceną teatralną Urugwaju. W ostatnich latach prezentowali tam swoje spektakle taneczne, m.in. „Tango: Lo que nos Une” z orkiestrą La Juan D’Arienzo, „Tiempo Tango” z Sexteto Álvaro Hagopian i wokalistą Ricardo Oliverą oraz „Noche de Garufa” z orkiestrą Tango Bardo.

To właśnie oni stworzyli choreografię „Tribute to Juan d’Arienzo”. Podczas październikowej edycji za przygotowanie tancerzy i reżyserię spektaklu odpowiadać będzie Juan Martín Carrara.

W spektaklu zaśpiewa również aktorka teatr Rozbark Julia Lewandowska.

Szczególny charakter wydarzenia tworzyć będzie także sama przestrzeń. 80 miejsc zostanie ustawionych przy stolikach wokół parkietu, dzięki czemu publiczność będzie mogła oglądać tancerzy z bliska. To nawiązanie do atmosfery buenosaireskich milong – miejsc, w których tango nie jest odległym widowiskiem, ale dzieje się tuż obok, pomiędzy stolikami, przy muzyce i w bezpośrednim kontakcie z publicznością. Pozostałe miejsca znajdą się na tradycyjnej widowni Teatru Rozbark.

Po spektaklu wieczór będzie można kontynuować podczas milongi w pobliskiej Majowej Szkole Tańca przy ul. K. Miarki 29 w Bytomiu. Początek milongi o godz. 21:00.
kup bilet

24 października (sobota), godz. 18:00 Bliskość | spektakl premierowy w wykonaniu Integracyjnego Teatru Tańca INTEGRA | kon., i wyk.: Beata Grzelak-Szweda, Ewelina Dehn i Zespół INTEGRA

Bilety w cenie: 40 zł bilet normalny, 30 zł bilet ulgowy.

BLISKOŚĆ to opowieść o wzajemnym wspieraniu się , ale także wskazuje na zależności jakie mogą wystąpić między ludźmi. Bliskość nie zawsze bywa pozytywna, gdyż czasem może wskazywać na uwięzienie w relacji czy brak możliwości oddechu bez drugiej osoby. Spektakl opowiada o tęsknocie za bliskością, o próbach pokonania samotności, barier i stereotypów, które są stawiane przez ludzi wobec siebie i innych.

Występują:
Ewelina Dehn,
Anna Nogieć,
Bogumiła Mazur,
Anna Pyka,
Dajana Gojowczyk,
Emilia Bydłowska,
Lena Ziętek,
Stanisław Krasiński,
Jakub Krakowski,
Paweł Zając.

Integracyjny Teatr Tańca – INTEGRA

INTEGRA to grupa taneczno-ruchowa, zainicjonowana i prowadzona przez Ewelinę Dehn i Beatę Grzelak-Szwedę, działająca przy Teatrze Rozbark od 2014 roku. Jej celem jest przełamywanie barier tanecznych, dotyczących szeroko pojętej niepełnosprawności. Grupa zrzesza zarówno osoby pełno, jak i niepełnosrawne fizycznie i intelektualnie. Ideą, która towarzyszy grupie jest integracja pomiędzy osobami pełno i niepełnosprawnymi. Wierzymy, ze chęć działania, wyrażania siebie poprzez teatr
i taniec jest tą siłą, która może połączyć ludzi i wykrzesać z nich to, co najlepsze. Integra jest przestrzenią dla ludzi i między ludźmi, jest ich azylem i strefą wolności.

Grupa uczęszcza na regularne spotkania, które odbywają się raz w tygodniu  w Teatrze Rozbark, podczas których aktywie działa i twórczo się rozwija, przygotowując kolejne spektakle.

kup bilet

7 listopada (sobota), godz. 19:00 „Głupia Gęś”, reżyseria, choreografia, koncepcja, wykonanie: Zofia Żwirblińska | wydarzenie realizowane w ramach programu Przestrzenie Sztuki-Taniec | po spektaklu zapraszamy na rozmowę z artystami.

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 20 zł bilet ulgowy.

„Głupia gęś” to monodram performatywny, którego punktem wyjścia jest syndrom oszusta – błąd poznawczy polegający na braku wiary we własne kompetencje. Szacuje się, że około 70% światowej populacji na pewnym etapie życia doświadcza tego fenomenu.

Autorka spektaklu jest „złotym dzieckiem” – od zawsze z najlepszymi ocenami, nagrodami,sukcesami. Szkoda tylko, że na żadne z nich nie zasługuje. Jej dotychczasowe dokonania to przypadek, pomyłka, dziwny traf szczęścia. W świecie, gdzie łkanie bezwstydnie zamieniła w kłamanie, jej własne ciało bez przerwy podważa swoją wartość. Rozpada się w wątpliwościach, wywraca wszystko do góry nogami, aż w końcu pęka, by przepoczwarzyć się w autoironiczne szarogęszenie.

Syndrom oszusta – oszustki – odsłania się w spektaklu jako mechanizm performowania samej siebie. Na scenie ściera się to, co faktycznie przeżywane, z tym, co odgrywane; autobiograficzne wyznanie ze świadomą manipulacją własnym wizerunkiem. „Głupia gęś” przygląda się temu, jak niepewność staje się rolą, którą można powtarzać tak długo, aż zacznie organizować sposób myślenia o sobie. Intymny lęk okazuje się tu nie tylko prywatnym doświadczeniem. Wyrasta także ze świata, który każe nieustannie udowadniać własną wartość, jednocześnie dając powody, by w nią wątpić.

Reżyseria, choreografia, koncepcja, wykonanie: Zofia Żwirblińska,
Dramaturgia: Patrycja Kowańska,
Muzyka: Ola Rzepka,
Reżyseria światła: Michał Wawrzyniak,
Autorka fotografii promocyjnych: Józefina Kiełb,
Autorka plakatu: Agata Śliwa
Czas: 45min.

Premiera została dofinansowana ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach programu „Przestrzenie Sztuki – Taniec”, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca. Projekt zrealizowano również ze środków Miasta Gdańska w ramach Gdańskiego Stypendium Kulturalnego – Fundusz Twórczy oraz przy wsparciu rezydencji Open Studio w Teatrze Komuna Warszawa.

 

kup bilet

8 listopada (niedziela), godz. 19:00 Q&A, chor., i kon.: Rachel Erdos, Living Space Theatre | wydarzenie realizowane w ramach programu Przestrzenie Sztuki-Taniec | po spektaklu zapraszamy na rozmowę z artystami.

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 20 zł bilet ulgowy.

W 1997 roku psycholog Arthur Aron opublikował artykuł „The Experimental Generation of Interpersonal Closeness”. W swoich badaniach Aron zebrał 36 pytań przeznaczonych do dialogu między dwojgiem nieznajomych, a pytania stopniowo stawały się coraz bardziej osobiste. Według badania, otwartość na drugą osobę i postawienie się w sytuacji bezbronności rozwija silną intymność, która prowadzi do natychmiastowej miłości.

5 tancerzy... 36 pytań…

Ujawnienie osobowości, życia i ich doświadczeń w kameralnym wydarzeniu tanecznym. Czy chciałbyś być sławny? Kiedy ostatnio śpiewałeś dla siebie? Dla kogoś innego? Jakie jest twoje najstraszniejsze wspomnienie?

Praca „Q&A: autorstwa Rachel Erdos powstała w 2017 roku w Tel Awiwie w Izraelu. Polska edycja spektaklu powstała wyłącznie dla i we współpracy z Living Space Theatre.

Wykonanie: Monika Witkowska, Dominik Więcek, Paweł Kozłowski, Mikołaj Karczewski, Natalia Dinges,
Koncept i choreografia:Rachel Erdos,
Reżyseria świateł: Paweł Murlik,
Reżyseria dźwięku: Alon Peretz,
Czas: 60 min. (bez przerwy).

Recenzje:

https://czaskultury.pl/artykul/znamy-sie-tylko-z-widzenia/

https://taniecpolska.pl/krytyka/pytac-by-nie-bladzic-recenzja-spektaklu-q-a-the-polish-edition-zamowienia-choreograficzne/

„Zadanie dofinansowane ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca”.

 

kup bilet

13 listopada (piątek), godz. 19:00 FASHION BEACH, chor., kon., reż.: Stefano Silvino | wydarzenie realizowane w ramach programu Przestrzenie Sztuki-Taniec | po spektaklu zapraszamy na rozmowę z artystami.

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 20 zł bilet ulgowy.

UWAGA! Spektakl zawiera elementy nagości.

Od chwili, gdy Ewa skonsumowała rajski owoc, świat pozostaje zadziwiająco niezmieniony. Wiele kobiet wciąż ukrywa się za zasłoną wstydu, zmagając się z własnymi kompleksami i obawami.

Codziennie zastanawiają się, w co ubrać się do pracy, ile warstw makijażu nałożyć, aby ukryć niedoskonałości na twarzy, „malowane” przez społeczne oczekiwania. Martwią się o to… jakie obcasy wybrać na uroczystość chrzcin dziecka kuzynki oraz jak daleko pociągnąć kreski na powiekach, aby wytyczyć granice swojej godności i wywrzeć wrażenie na innych.

Jak daleko może posunąć się kobieta, aby błyszczeć w najlepszym świetle?

Jest jak perła wyrzucona na brzeg nieskończonego morza opinii i narzuconych stereotypów, starając się wypolerować siebie według społecznych standardów, zapominając, że prawdziwa perła zawsze ma nieregularny kształt.

Co kryje się za dążeniem do poświęceń w imię piękna?

Co to znaczy być piękną i gdzie ukryty jest prawdziwy blask naszej indywidualności?

Choreografia / idea / reżyseria / video: Stefano Silvino,
Tancerki: Magdalena Wójcik, Catherine Michalska, Kasia Kuzka, Anna Banasik, Dasha Abibok, Karolina Krynicka, Agnieszka Brzezińska,
Konsultantka gry aktorskiej / konsultacja dramaturgiczna: Volha Burauliova,
Kompozytor/muzyka: Jacek Jędrasik,
Scenograf: Alexander Adamau,
Reżyser światła: Aleksander Prowaliński
Asystentka choreografa / opracowanie koncepcji / kostiumy / grafika / promocja /koordynacja: Daria Abibok,
Niezależna ekspertka mody / konsultacja kostiumów / promocja / fotografia: Gosia Boy,
Niezależny ekspert mody / konsultacja kostiumów / promocja / wsparcie sesji zdjęciowej:Tomasz Góralczyk
Czas: 50 min. (bez przerwy).

„Zadanie dofinansowane ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca”.

 „Zadanie finansowane ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu Przestrzenie Sztuki Taniec, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca. Lokalnym operatorem programu jest Centrum Kultury w Lublinie”.

 

kup bilet

14 listopada (sobota), godz. 11:00-12:30 warsztaty improwizacyjne z Kasią Kuzką | studio A | warsztaty dla osób 15+

Koszt: przedpłata 80 zł do 1 listopada (niedziela), 100 zł od 2 listopada (poniedziałek).
Liczba miejsc ograniczona (max.15).

Kasia Kuzka| Opis warsztatów:

Półtoragodzinny warsztat będzie połączeniem improwizacji opartej na różnych jakościach ruchowych, pracy z choreografią oraz improwizacji kompozycyjnej w grupie. Będziemy eksplorować indywidualny język ruchowy, jednocześnie budując wspólną dynamikę i czerpiąc inspirację z siebie nawzajem.

Skupimy się na odnajdywaniu równowagi pomiędzy autonomią performera a byciem częścią kolektywu — słuchaniem innych, reagowaniem na ich działania i współtworzeniem ruchowego świata. Poznane materiały oraz proponowane zadania staną się punktem wyjścia do wspólnej pracy kompozycyjnej.

Kasia Kuzka jest tancerką i choreografką działającą w obszarze tańca, performansu, teatru,filmu i sztuk wizualnych. Ukończyła Rambert School of Ballet and Contemporary Dance wLondynie. Tworzyła choreografie m.in. dla TR Warszawa i Wrocławskiego TeatruPantomimy oraz uczestniczyła w rezydencjach twórczych (English National Ballet,Cricoteka, Metroland Cultures, Chisenhale Dance, Rich Mix, Ugly Duck). Jako performerkawspółpracowała m.in. z Wayne’em McGregorem oraz Sasha Waltz & Guests (Biennale wWenecji). Brała również udział w wystawie Mariny Abramović w Royal Academy of Arts wLondynie oraz wceremonii otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Paryżu w 2024 roku. Obecniepracuje jako tancerka z Alexem Baczyńskim-Jenkinsem.

W swojej praktyce bada, jak precyzja i dyscyplina wyniesione z edukacji tanecznej mogąwspółistnieć z ryzykiem, deformacją i intuicyjnym ruchem. Inspirują ją betonowaarchitektura grochowskiego blokowiska, na którym się wychowała, nostalgia orazdoświadczenie dorastania w Polsce. Interesują ją napięcia pojawiające się w momentach, wktórych ciało przestaje „wykonywać”, a zaczyna odsłaniać to, co niekontrolowane i ukrytepod powierzchnią wyuczonych zachowań.

kup bilet

14 listopada (sobota), godz. 11:00-12:30 Flow z Catherine Michalską | studio B | warsztaty 15 +

Koszt: przedpłata 80 zł do 1 listopada (niedziela), 100 zł od 2 listopada (poniedziałek).
Liczba miejsc ograniczona (max.15).

Catherine Michalska | Opis warsztatów:

Flow — stan, w którym wysiłek znika, ruch staje się swobodny, a ciekawość przejmuje kontrolę. Podczas tych warsztatów wykorzystamy improwizację, aby osiągnąć ten stan. Pracując nad prostymi zadaniami opartymi na powtarzaniu, pozwolimy im się kumulować, aż wprowadzą nas w stan przypominający trans, a następnie wykorzystamy tę otwartość umysłu i ciała do poszerzenia naszej mobilności i zakresu dynamiki. Po drodze będziemy bawić się napięciami, które kształtują ruch: złożonością i prostotą, siłą i delikatnością, zmianami tempa. Odkryjemy, gdzie leżą nasze fizyczne ograniczenia, nauczymy się pracować w ich ramach i stopniowo je poszerzać. Znaczna część pracy polega na indywidualnych poszukiwaniach, a czasami przerodzi się w interakcję grupową. Warsztaty te są przeznaczone dla tych, którzy po prostu kochają ruch, oraz dla ciekawskich, którzy chcą odkryć, dlaczego tak jest.

 

Catherine Michalskapochodząca z Houston w Teksasie Catherine Michalska kształciła się w Houston Ballet Academy oraz Master Ballet Academy w Phoenix w Arizonie. Następnie studiowała na Belhaven University, który ukończyła w 2022 roku z dyplomami Bachelor of Fine Arts w zakresie tańca oraz Bachelor of Science w zakresie informatyki, z matematyką jako kierunkiem dodatkowym (minor). W trakcie studiów brała udział w niezależnych projektach tanecznych, występując z takimi zespołami jak Feet Speak Dance w stanie Mississippi i Mei/Co w Teksasie. Od przeprowadzki do Polski w 2022 roku współpracowała z wieloma choreografami, w tym ze Stefano Silvino i Anną Hop. Występowała na scenach i festiwalach w całym kraju, takich jak Cyrkulacje, SoloDuo Polska Edition, Kalejdoskop i Sfera Ruchu w Toruniu.

kup bilet

14 listopada (sobota), godz. 12:30-14:00 Taniec współczesny ze Stefano Silvino| scena | warsztaty 15 +

Koszt: przedpłata 100 zł do 1 listopada (niedziela), 120 zł od 2 listopada (poniedziałek).
Liczba miejsc ograniczona (max.15).

Stefano Silvino | Opis warsztatów:

Zajęcia badają taniec współczesny poprzez zrozumienie architektury ciała, koncentrując się na relacji między ustawieniem ciała, ciężarem, przestrzenią i jakością ruchu.Zamiast jedynie odtwarzać ruch, uczestnicy uczą się rozumieć, w jaki sposób ruch powstaje i jest organizowany.

Poprzez ćwiczenia techniczne, sekwencje w przestrzeni, improwizację oraz materiał choreograficzny uczestnicy rozwijają koordynację, mobilność, kontrolę dynamiki oraz większą efektywność ruchu.Zajęcia łączą precyzję techniczną z poszukiwaniem artystycznym, dając tancerzom narzędzia do budowania pewności siebie, wszechstronności oraz autentycznej tożsamości ruchowej.

Stefano Silvino urodził się na Sycylii we Włoszech. Swoją zawodową karierę taneczną rozwijał we Włoszech i w Niemczech, występując w produkcjach musicalowych i spektaklach teatralnych. Później związał się z Polską, gdzie tańczył w Teatrze Tańca Rozbark i współpracował z międzynarodowymi choreografami, m.in. Uri Ivgi i Johanem Grebenem.

Jest zwycięzcą 9. edycji programu „SYTYCD” w Polsce. Dzięki stypendium w Broadway Dance Center w Nowym Jorku pogłębiał praktykę w zakresie baletu i tańca współczesnego, jednocześnie rozwijając umiejętności w stylach komercyjnych.

Po powrocie do Europy rozpoczął intensywny okres pracy pedagogicznej i choreograficznej, występując na wielu scenach teatralnych i tworząc własne projekty. Pracował również jako pedagog i choreograf w Madrycie, a także jako asystent choreografa przy międzynarodowych produkcjach w Europie i Turcji,m.in. dla Skanes, Scapino i MDT, u boku Eriki Silgoner.

Tworzył autorskie spektakle we współpracy z polskimi teatrami, pracując zarówno jako choreograf, jak i reżyser. Obecnie mieszka w Warszawie, gdzie prowadzi własne studio tańca Studio42 oraz rozwija międzynarodowy program taneczny „Architectural Movement”.

kup bilet

20 listopada (piątek), godz. 19:00 „Czarodziejska Góra”, reż., chor.: Anna Obszańska, tekst i dramaturgia: Maciej Podstawny, spektakl dyplomowy studentów IV roku Wydziału Teatru Tańca im. prof. J. Stuhra w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie

Bilety w cenie: 45 zł bilet normalny, 35 zł bilet ulgowy.

Reżyseria i choreografia: Anna Obszańska
Tekst i dramaturgia: Maciej Podstawny
Obsada: Aleksandra Florjańska, Anna Grodzicka, Kacper Kotras, Karolina Kotwa, Karolina Kulesza, Michalina Machalska, Wiktoria Ostrowska, Aś Radecki, Karolina Rudolf, Piotr Serafin, Dominika Serwin, Marta Stopa, Patryk Sojka, Laura Tomska, Szczepan Woźniak.

Spektakl „Czarodziejska góra. Wykasływanie” to teatr o młodych, współczesnych ludziach, poszukujących ucieczki z przytłaczającej rzeczywistości, którą dziedziczą po XX wieku. Pytanie, wokół którego zorganizowany jest świat na scenie, jest pytaniem o marzenie: czy bohaterowie będą potrafili wyzwolić się spod jarzma nadmiernie skomplikowanej rzeczywistości, uwolnić od podsycanego przez media lęku, strachu przed przyszłością i wobec mnogości bodźców podejmą walkę o indywidualność, spełnienie i marzenie; czy spróbują zrealizować swój potencjał, mimo onieśmielającego, choć pięknego bagażu „Czarodziejskiej góry”.

Bohaterowie tkwią w odizolowanym sanatorium „Berghof”, zatrzymani w czasie, chorobie i refleksji o tym, że rzeczywistość schyłku, jaką powołał Tomasz Mann, znów ich dotyczy. Przytłoczeni informacjami, poglądami, nadmiarem, uginający się pod bagażem doświadczenia „Czarodziejskiej góry”, odtwarzają sytuację zaprojektowaną przed ponad stu laty dla innych postaci. Sanatorium można opuścić drogą w dół, torem saneczkowym, służącym do transportu zwłok na niziny; ale można spróbować również drogi przeciwnej, która nie przyszła na myśl pacjentom Tomasza Manna – drogi w górę, ku szczytowi, do świata innego niż wojna światowa, której wybuch jest ostatnim i nieuchronnym rozdziałem powieści.
Spektakl jest adaptacją świata Manna, operującą i patosem, i humorem. Opowiada zarówno o czasie, którego bohaterowie nie potrafią właściwie wykorzystać; o chorobie, która jest czasami ucieczką a czasami podstawowym stanem ciała; ale przede wszystkim to teatr o wyzwoleniu, strąceniu ciężaru i ucieczce do przodu, na szczyt, w rzeczywistość marzenia.

Uwaga! Spektakl zawiera sceny ekstremalnie eksplorujące fizjologię ludzkiego ciała i intensywne obrazy stanu choroby (w tym zawierające ludzkie wydzieliny, intensywne charczenie, nagość). W spektaklu wykorzystany jest też efekt intensywnego dymu. Spektakl może nie być odpowiedni dla osób wrażliwych oraz dla osób poniżej 16-go roku życia.

kup bilet

20 listopada (piątek), godz. 19:00 „Czarodziejska Góra”, reż., chor.: Anna Obszańska, tekst i dramaturgia: Maciej Podstawny, spektakl dyplomowy studentów IV roku Wydziału Teatru Tańca im. prof. J. Stuhra w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie

Bilety w cenie: 45 zł bilet normalny, 35 zł bilet ulgowy.

Reżyseria i choreografia: Anna Obszańska
Tekst i dramaturgia: Maciej Podstawny
Obsada: Aleksandra Florjańska, Anna Grodzicka, Kacper Kotras, Karolina Kotwa, Karolina Kulesza, Michalina Machalska, Wiktoria Ostrowska, Aś Radecki, Karolina Rudolf, Piotr Serafin, Dominika Serwin, Marta Stopa, Patryk Sojka, Laura Tomska, Szczepan Woźniak.

Spektakl „Czarodziejska góra. Wykasływanie” to teatr o młodych, współczesnych ludziach, poszukujących ucieczki z przytłaczającej rzeczywistości, którą dziedziczą po XX wieku. Pytanie, wokół którego zorganizowany jest świat na scenie, jest pytaniem o marzenie: czy bohaterowie będą potrafili wyzwolić się spod jarzma nadmiernie skomplikowanej rzeczywistości, uwolnić od podsycanego przez media lęku, strachu przed przyszłością i wobec mnogości bodźców podejmą walkę o indywidualność, spełnienie i marzenie; czy spróbują zrealizować swój potencjał, mimo onieśmielającego, choć pięknego bagażu „Czarodziejskiej góry”.

Bohaterowie tkwią w odizolowanym sanatorium „Berghof”, zatrzymani w czasie, chorobie i refleksji o tym, że rzeczywistość schyłku, jaką powołał Tomasz Mann, znów ich dotyczy. Przytłoczeni informacjami, poglądami, nadmiarem, uginający się pod bagażem doświadczenia „Czarodziejskiej góry”, odtwarzają sytuację zaprojektowaną przed ponad stu laty dla innych postaci. Sanatorium można opuścić drogą w dół, torem saneczkowym, służącym do transportu zwłok na niziny; ale można spróbować również drogi przeciwnej, która nie przyszła na myśl pacjentom Tomasza Manna – drogi w górę, ku szczytowi, do świata innego niż wojna światowa, której wybuch jest ostatnim i nieuchronnym rozdziałem powieści.
Spektakl jest adaptacją świata Manna, operującą i patosem, i humorem. Opowiada zarówno o czasie, którego bohaterowie nie potrafią właściwie wykorzystać; o chorobie, która jest czasami ucieczką a czasami podstawowym stanem ciała; ale przede wszystkim to teatr o wyzwoleniu, strąceniu ciężaru i ucieczce do przodu, na szczyt, w rzeczywistość marzenia.

Uwaga! Spektakl zawiera sceny ekstremalnie eksplorujące fizjologię ludzkiego ciała i intensywne obrazy stanu choroby (w tym zawierające ludzkie wydzieliny, intensywne charczenie, nagość). W spektaklu wykorzystany jest też efekt intensywnego dymu. Spektakl może nie być odpowiedni dla osób wrażliwych oraz dla osób poniżej 16-go roku życia.

kup bilet

26 listopada (czwartek), godz. 19:00 Something is resisting, chor.: i reż.: Olga Roriz, Living Space Theatre | wydarzenie realizowane w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec | po spektaklu zapraszamy na rozmowę z artystami.

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 20 zł bilet ulgowy.

UWAGA! W spektaklu pojawia się nagość.

„Żyjemy w sieci zasad, które nas kształtują, ograniczają i przekonują, że jesteśmy wolni, podczas gdy wpychają nas w pętlę. Zużywamy energię tylko po to, by przetrwać — jakby ciało istniało wyłącznie jako narzędzie do produkcji. Powtarzalność przejmuje kontrolę: dni, które wyglądają tak samo jak poprzednie, gesty, które powracają, cykle, w których jesteśmy uwięzieni. To prawda, pojawia się zmęczenie, ale jest też coś, co nie ustępuje. Coś, co stawia opór.

Powiedzenie „zamierzam opowiedzieć historię” jest już gestem politycznym. Ponieważ oznacza zabranie głosu. Zakłada, że jest coś, co musi zostać opowiedziane. Być może historia nie ma początku ani końca. Może składa się z fragmentów, powtórzeń, odgłosów. Być może ciało wie więcej niż usta. Być może ciało jest archiwum wszystkiego, czego nie da się wypowiedzieć.

W tym projekcie ciało jest teatrem dla sprzecznych sił: jest posłuszne i stawia opór, powtarza i kreuje, męczy się i nie ustępuje. To ciało, które żyje pomiędzy tym, co narzucone, a tym, co się wymyka. Ciało polityczne, tak - ale też poetyckie. Ciało, które pyta: kto tu rządzi? I być może ostatecznie, odpowiedź nie znajduje się tam, gdzie byśmy się jej spodziewali.”

Reżyseria i choreografia: OLGA RORIZ,
Występują: Daria Nowak, Anna Mikuła, Jakub Margosiak,
Selekcja muzyki: JOÃO RAPOZO i OLGA RORIZ,
Ścieżka dźwiękowa: JOÃO RAPOZO,
Kostiumy: OLGA RORIZ i GRZEGORZ ŁABUDA,
Reżyseria świateł: MICHAŁ STENZEL,
Asystent prób: YONEL CASTILLA SERRANO,
Czas: 60 min. (bez przerwy).

„Zadanie dofinansowane ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca”.

kup bilet

27 listopada (piątek), godz. 19:00 „NIŻYŃSKA piano forte”, Stowarzyszenia Sztuka Nowa | wydarzenie realizowane w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec | po spektaklu zapraszamy na rozmowę z artystami.

Bilety w cenie: 30 zł bilet normalny, 20 zł bilet ulgowy.

„NIŻYŃSKA piano forte” Sztuki Nowej to kameralny spektakl choreograficzny inspirowany biografią i twórczością Bronisławy Niżyńskiej – jednej z najważniejszych postaci XX-wiecznej awangardy w tańcu.

Punktem wyjścia do spektaklu stały się przełomowe chwile z jej życia. Osobisty kryzys oraz potrzeba pełnego artystycznego wyrażenia się stały się impulsem do wypracowania własnej podmiotowości i swojego języka choreograficznego. W spektaklu biografia Niżyńskiej zostaje przetworzona nie w formę narracji, lecz w strukturę ruchu, rytmu i napięć budujących dramaturgię spektaklu.

Spektakl podejmuje dialog z „Les noces” (1923) – przełomowym dziełem choreograficznym Niżyńskiej do muzyki Igora Strawińskiego, często opisywanym jako protofeministyczne. Daniela Komędera – choreografka i wykonawczyni – konstruuje performatywny portret artystki, badając relacje między ciałem, rytmem i strukturą. Warstwę dźwiękową spektaklu współtworzy na żywo Katarzyna Piszek (Kasai), materializując muzykę i wokal jako równorzędne elementy dramaturgiczne. Dialog ruchu i dźwięku pozwala obserwować proces odzyskiwania głosu – rozumianego symbolicznie jako akt dojrzewania do emancypacji.

„NIŻYŃSKA piano forte” stawia pytania o pozycję współczesnej kobiety–choreografki i tancerki oraz o proces budowania własnego języka twórczego w warunkach presji osobistych, historycznych, społecznych i instytucjonalnych.

Głównym elementem scenografii spektaklu jest sportowa trampolina, która pełni funkcję zarówno podłoża scenicznego, jak i integralnego narzędzia choreograficznego. Na trampolinie przez cały czas trwania spektaklu występuje Daniela Komędera. Jako choreografka przeniosła ona ciężki, statyczny i historycznie obciążony wymiar postaci Niżyńskiej na choreografię wykonywaną w ruchu wertykalnym, opartą na wybiciu, locie i zawieszeniu ciała w powietrzu. Trampolina pozwala na symboliczne „odciążenie” baletu jako gatunku i poszukiwanie lekkości, uniesienia oraz chwilowego przekraczania grawitacji, zarówno fizycznej, jak i kulturowej.

Choreografia i taniec: Daniela Komędera,
Muzyka i wykonanie na żywo: Katarzyna Piszek (Kasai),
Reżyseria: Aneta Jankowska i Dawid Żakowski,
Dramaturgia: Patrycja Babicka,
Kostiumy: Dominik Więcek,
Reżyseria światła i scenografia: Tadeusz Perkowski,
Reżyseria dźwięku: Adam Jankowski,
Produkcja: Stowarzyszenie Sztuka Nowa,
Czas: 50 min. (bez przerwy).

Spektakl „Niżyńska piano forte” otrzymał rekomendację i dofinansowanie w ramach programu Teatr Polska 2026.

„Zadanie dofinansowane ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach Programu Przestrzenie Sztuki-Taniec, realizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca”.

 

kup bilet
Brak wydarzeń w wybranym dniu